Beethoven caçador- Oli sobre fusta (1996)

Noia 1 - Oli sobre fusta (2012)

Apocalipsi 1 - Oli i paper maché sobre fusta (2012)

El camí dels enamorats - Oli sobre fusta (2011)

Camí d'Ulldeter - Oli sobre fusta (2012)

El Hematocrítico de Arte - una pàgina altament recomanable

De vegades un no se n'adona de les grans perles que circulen per la xarxa fins que algú te les comenta. Avui m'han descobert una pàgina realment impagable, una d'aquelles joies que estaries remenant fins que l'estómac et digués prou del riure. Aquesta pàgina es diu "El Hematocrítico de Arte" i és molt recomanable. Crec que el meu concepte de l'art càssic canviarà per sempre després de veure aquesta pàgina. Un consell, aneu clicant on posa "older" que la cosa és llarga. No explico el que hi ha, recomano entrar-hi i gaudir-la. Hi han comentaris en castellà i comentaris en altres idiomes; convé llegir-los tots. L'enllaç a aquesta pàgina és:

http://hematocritico.tumblr.com/

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A veces uno no se da cuenta de las grandes perlas que circulan por la red hasta que alguien te las comenta. Hoy me han descubierto una página realmente impagable, una de esas joyas que estarías removiendo hasta que el estómago te dijera basta por la risa. Esta página se llama "El Hematocrítico de Arte" y es muy recomendable. Creo que mi concepto del arte Clásico cambiará para siempre después de ver esta página. Un consejo, id pulsando donde pone "older" que la cosa es larga. No cuento lo que hay, recomiendo entrar y disfrutarla. Hay comentarios en castellano y comentarios en otros idiomas; conviene leerlos todos. El enlace a esta página es:

http://hematocritico.tumblr.com/

Milton Glaser - I Love New York

Corrien els anys 70 i Nova York era, com a ciutat, el caos. Tothom recordarà aquelles pel·lícules de l'estil Taxi Driver o d'altres on aquella ciutat es podia resumir com a delinqüència, crims, prostitució, misèria... un lloc desfet del tot. El turisme queia sense parar i la confiança dels ciutadans en la seva pròpia ciutat s'enfonsava fins a llindars autodestructius. És per això que el departament de comerç de l'Estat de Nova York decidí engegar una campanya dirigida a canviar la imatge exterior i interior de la ciutat. Van contractar l'empresa Wells Rich Greene a més de l'il·lustrador i dissenyador Milton Glaser per a que treballessin en aquest projecte. Al final la idea de Glaser va ser un senzill logotip clar i pregnant.
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Corrían los años 70 y Nueva York era, como ciudad, el caos. Todos recordarán aquellas películas del estilo Taxi Driver o de otros donde esa ciudad se podía resumir como delincuencia, crímenes, prostitución, miseria ... un lugar deshecho del todo. El turismo caía sin cesar y la confianza de los ciudadanos en su propia ciudad se hundía hasta umbrales autodestructivos. Es por ello que el departamento de comercio del Estado de Nueva York decidió poner en marcha una campaña dirigida a cambiar la imagen exterior e interior de la ciudad. Contrataron la empresa Wells Rich Greene además del ilustrador y diseñador Milton Glaser para que trabajaran en este proyecto. Al final la idea de Glaser fue un sencillo logotipo claro y pregnante.

Aquella campanya havia de durar uns dos mesos però, sense voler-ho, s'ha erigit ja com un mite i lligat per sempre amb la imatge de la Gran Poma. El missatge és clar: M'agrada Nova York", sense més. Una ciutat complexa amb uns problemes molt greus requereix una solució senzilla i aquesta és recuperar la confiança i donar una imatge molt diferent a la que es tenia fins aleshores. Aconseguit això (que no és fàcil) la resta ve sol. Aquesta mateixa idea la va agafar l'ajuntament de Barcelona al veure que ningú no creia en les seves possibilitats de poder organitzar uns Jocs Olímpics, creant la campanya "Barcelona més que mai". Val a dir que va ser tot un èxit i que va fer créixer una confiança la qual no havia existit mai.
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Aquella campaña debía durar unos dos meses pero, sin quererlo, se ha erigido ya como un mito y atado para siempre con la imagen de la Gran Manzana. El mensaje es claro: Me gusta Nueva York ", sin más. Una ciudad compleja con unos problemas muy graves requiere una solución sencilla y esa es recuperar la confianza y dar una imagen muy diferente a la que se tenía hasta entonces. Conseguido esto (que no es fácil) el resto viene solo. Esta misma idea la tomó el ayuntamiento de Barcelona al ver que nadie creía en sus posibilidades de poder organizar unos Juegos Olímpicos, creando la campaña "Barcelona más que nunca". Cabe decir que fue todo un éxito y que hizo crecer una confianza la que no había existido nunca.

Mortadelo y Filemón & The Twin Towers

Una imatge val més que mil paraules. Aquesta és, però, de 1993 però força premonitòria.
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Una imagen vale más que mil palabras. Esta es, sin embargo, de 1993 pero bastante premonitoria.

Las "Santas" de Zurbarán: el primer catàleg de moda

Sovint s'ha debatut sobre els models que duïen les Santes pintades per Zurbarán, massa actuals i poc adients el que s'estava mostrant. Algú ha parlat de si són retrats de dones de la classe alta... a veure, primer de tot ens hem de situar en el que era el barroc: va ser una fugida endavant promoguda per l'esgésia catòlica amb la urgent necessitat de contrarrestar, mitjançant la propaganda, la pujada del protestantisme a Europa. Com venia essent tradició, la temàtica principal era la religiosa. Al barroc, però, hi havia la necessitat de que el poble s'identifiqués amb aquelles obres prenent escenes de la quotidianeitat però sempre amb un transfons de temàtica religiosa. El pare de Zurbarán - i ara podem tornar al que volia explicar - era comerciant. Un dels gèneres amb els què comerciava era el tèxtil la qual cosa ha fet pensar a alguns historiadors que aquests models de les santes no era més que un mostrari del gènere amb el qual treballava el seu pare i que ho havia de disfressar de temàtica religiosa ja que, d'una altra manera, li hagués sigut impossible de mostrar. No sé si es veritat però és una opció gens descartable i que "humanitza" la professió de pintor d'aquella època que, no ho oblidem, estaven força subjectes als interessos i encàrrecs de l'església, la reialesa i l'aristocràcia.
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A menudo se ha debatido sobre los modelos que llevaban las Santas pintadas por Zurbarán, demasiado actuales y poco adecuados a lo que se estaba mostrando. Alguien ha hablado de si son retratos de mujeres de la clase alta ... a ver, ante todo nos debemos situar en lo que era el barroco: fue una huida hacia delante promovida por la iglesia católica con la urgente necesidad de contrarrestar, mediante la propaganda, la subida del protestantismo en Europa. Como venía siendo tradición, la temática principal era la religiosa. El barroco, sin embargo, había la necesidad de que el pueblo se identificara con aquellas obras tomando escenas de la cotidianeidad pero siempre con un trasfondo de temática religiosa. El padre de Zurbarán - y ahora podemos volver a lo que quería contar - era comerciante. Uno de los géneros con los que comerciaba era el textil lo que ha hecho pensar a algunos historiadores que estos modelos de las santas no era más que un muestrario del género con el que trabajaba su padre y que lo tenía que disfrazarse de temática religiosa ya que, de otro modo, le hubiera sido imposible de mostrar. No sé si es verdad pero es una opción nada descartable y que "humaniza" la profesión de pintor de aquella época que, no lo olvidemos, estaban bastante sujetos a los intereses y encargos de la iglesia, la realeza y la aristocracia.

Richard Hamilton (1922-2011)

Ahir va morir l'artista britànic Richard Hamilton. Per als que necessiten etiquetar les coses per a poder explicar tendències artístiques, es pot dir que és el pare del Pop Art (en cap cas Warhol ni Lichtenstein) i per als que els cal un punt concret de la història per a poder explicar el començament d'una tendència artística sense tenir en compte tot el que hi ha al darrera, es pot dir que el quadre "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?" (1956) és el que inicia aquest moviment.
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Ayer murió el artista británico Richard Hamilton. Para los que necesitan etiquetar las cosas para poder explicar tendencias artísticas, se puede decir que es el padre del Pop Art (en ningún caso Warhol ni Lichtenstein) y para los que necesitan un punto concreto de la historia para poder explicar el comienzo de una tendencia artística sin tener en cuenta todo lo que hay detrás, se puede decir que el cuadro "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?" (1956) es el que inicia este movimiento.

Les característiques esencials que el fan englobar dins d'aquest moviment del Pop Art, és el concepte d'inserir diverses icones de la societat de consum de l'època. El que no estic d'acord es quan, de forma general, es comenta que tots els elements són els típics béns de consum americans. Igual és la tendència comercial del moment (un moment molt llarg, penso) però el que els crítics / historiadors obliden és que el que du a la mà l'home no és pas un producte americà, precisament (deixeu-me posar patriòtic de tant en tant). De fet, moltes de les consideracions posteriors de Hamilton, estan en la línia de Warhol i companyia.
Seria injust, però, englobar exclusivament a Hamilton dins de l'etiqueta del Pop Art. Als seus origens i, de fet, en obres posteriors a la ja comentada, es pot extreure de moltes de les seves obres la idea d'una evolució, diguem-ne simplificada, del cubisme, del futurisme i d'altres moviments del començament del segle XX.
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Las características esenciales que lo hacen englobar dentro de este movimiento del Pop Art, es el concepto de insertar varios iconos de la sociedad de consumo de la época. Lo que no estoy de acuerdo es cuando, de forma general, se comenta que todos los elementos son los típicos bienes de consumo americanos. Igual es la tendencia comercial del momento (un momento muy largo, pienso) pero lo que los críticos / historiadores olvidan es que lo que lleva a la mano del hombre no es un producto americano, precisamente (dejadme poner patriótico de vez en cuando). De hecho, muchas de las consideraciones posteriores de Hamilton, están en la línea de Warhol y compañía.
Sería injusto, sin embargo, englobar exclusivamente a Hamilton dentro de la etiqueta del Pop Art. E sus orígenes y, de hecho, en obras posteriores a la ya comentada, se puede extraer de muchas de sus obras la idea de una evolución, digamos simplificada, del cubismo, del futurismo y de otros movimientos del comienzo del siglo XX.

En aquesta obra anomenada "Glorious Techniculture" (datada entre els anys 1961 i 1964) sense arribar a ser cubista s'entreveu una clara influència picassiana. També s'hi veu una referència al futurisme a l'incloure elements relacionats amb la tecnologia més actual.
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En esta obra llamada "Glorious Techniculture" (datada entre los años 1961 y 1964) sin llegar a ser cubista vislumbra una clara influencia picassiana. También se ve una referencia al futurismo al incluir elementos relacionados con la tecnología más actual.

Lucian Freud (1922-2011)

Fa una setmana va morir Lucian Freud, net de Sigmund Freud i retratista. Igual no era massa conegut però he trobat a les pàgines del diari argentí Página/12 una reflexió del pintor força interessant i que convé llegir-la amb atenció. No es tracta de crear cap dogma sobre el retratisme i, fins i tot, segur que s'hi troba algun concepte rebatible, però jo l'he trobat força interessant i proper al que jo defenso.
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Hace una semana murió Lucian Freud, nieto de Sigmund Freud y retratista. Igual no era demasiado conocido pero he encontrado en las páginas del diario argentino Página/12 una reflexión del pintor muy interesante y que conviene leer con atención. No se trata de crear ningún dogma sobre el retratismo y, incluso, seguro que se encuentra algún concepto rebatible, pero yo lo he encontrado muy interesante y cercano a lo que yo defiendo.


LUCIAN FREUD (1922-2011)

La pintura según Freud

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 Por Lucian Freud

Quiero que la pintura funcione como carne. Mi idea del retrato viene de mi insatisfacción con los retratos que se parecen a la gente. Me gustaría que mis retratos sean de la gente, no como ellos. No tener que mirar al que posa, sino ser los que posan. Para mí la pintura es la persona. Quiero que funcione para mí como lo hace la carne.

Cuanto más miras un objeto, más abstracto se vuelve, e irónicamente, más real.
¿Qué le pido a una pintura? Que sorprenda, que perturbe, que seduzca, que convenza.
Sólo me interesa la persona, en hacer una pintura de ellos, no utilizarlos para un propósito artístico ulterior. Para mí, usar a una persona para hacer algo que no es intrínseco a ella, está mal.
Me acuerdo de que Francis Bacon decía sentir que le estaba dando al arte algo que hasta entonces le faltaba. Para mí, es lo que Yeats llamaba la fascinación con lo difícil. Sólo trato de hacer lo que no puedo.
Odio el hábito y la rutina. Eso es lo que aman los perros. Aman la regularidad en todo, y yo no tengo regularidad en nada. Tengo un horario y una agenda, pero no una rutina.
Pinto personas no por lo que parecen ni a pesar de lo que parecen, sino por lo que resultan ser.
Mi trabajo es puramente autobiográfico. Es sobre mí y mi entorno. Sobre mi esperanza, mi memoria, mi sensualidad y mi compromiso. Trabajo con gente que me interesa y que me importa, en habitaciones que conozco.
Cuando miro un cuerpo me da la oportunidad de elegir qué poner en el cuadro, qué me sirve y qué no. Hay una diferencia entre los hechos y la verdad. La verdad tiene un elemento revelador. Si algo es verdad, hace algo más que impactarte por su mera existencia.
El aura de una persona o un objeto es tan parte de él como su carne. El efecto que producen en el espacio es similar al del color o los aromas. Por lo tanto, el pintor debe preocuparse tanto por el aire alrededor de su objeto como por el objeto en sí. A través de la observación y la percepción de esa atmósfera que podrá captar el sentimiento que saldrá de su pintura.
Para un pintor, todo lo que ve debe estar ahí para su uso y placer. Y como el modelo que fielmente copia no va a ser colgado al lado de la pintura, como la pintura va a estar ahí sola, no es importante si es una copia fiel del modelo.
Todo cuadro se hace con la ayuda del modelo. El problema con los desnudos es que intensifican ese intercambio. Bosquejar la cara de alguien le hace menos daño a su autoestima que bosquejar todo su cuerpo desnudo.
Si un cuadro convence o no, depende de sí mismo. El modelo sólo debe servir como punto de partida del entusiasmo del pintor. La pintura es todo lo que sienta por él, lo que crea que merece preservarse. Si un pintor tomó realmente de su modelo todo lo que tenía que tomar, ninguna persona puede ser retratada dos veces.
No quiero que ningún color se destaque. No quiero hacer un uso modernista del color, como algo independiente. Los colores plenos y saturados tienen un significado emocional que quiero evitar.
Nunca pondría en un cuadro algo que no estuvo frente a mí. Eso sería una mentira sin sentido, un mero truco de destreza, puro artificio.
Lucian Freud, nieto de Sigmund y notable retratista británico nacido en Alemania, que hizo de la carne su arte, murió la semana pasada en Londres a los 88 años.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-7204-2011-07-25.html

Retrats de la Belle Époque - CaixaForum - 20 de juliol a 9 d'octubre 2011

Ahir vaig anar a veure l'exposició de retrats de la Belle Époque al CaixaForum. Es tracta d'una retrospectiva de retrats fets entre els períodes de la guerra Franco-Prussiana (1870) i la primera guerra mundial (1914). Es tracta d'una fase de la història força comvulsa amb uns canvis socials, tecnològics i de valors molt acusats i vertiginosos. Estem assistint a la consolidació d'una nova aristocràcia compresa per la burgesia emergent i certs personatges sortits del mon de la cultura. Aquesta nova aristocràcia surgeix amb la necessitat de promoure's a nivell personal creant l'actual concepte de promoció social mitjançant la imatge. Ja no és només el pur formulisme del retrat pel retrat, cal sugerir més, cal que els demés sàpiguen realment qui ets.

Reconec que em va agradar molt la separació dels diversos conceptes pels quals s'ha estructurat l'exposició:

- Autoretrats: gènere ja conreat per altres pintors antigament, mostra com es veuen els mateixos autors o la imatge que volen que els demés tinguin d'ells.
- Temperament i caràcter: aplicar l'anterior concepte amb el client. S'intenta transmetre a l'espectador com veu el pintor al personatge o com vol el personatge que el vegin els demés.
- Retrats de grup: agafant el concepte engegat per pintors com Velázquez o Goya, mostra com els diversos pintors ens fan veure com son les famílies retratades i, si convé, veure la seva quotidianetat.
- Ambients i converses: es tracta de fer entendre el subjecte mitjançant el seu entorn, de vegades imprescindible per a comprendre el personatge
- Retrats a plein air: aquesta època marcada per l'individualitat porta com a conseqüència l'espontaneïtat. Aquesta es transmet, sovint, mitjançant la fugida del pintor de les parets de l'estudi sortint al camp per a copsar des d'allà la llum i l'ambient de la natura.
- Toulouse-Lautrec: és una petita sala amb diversos retrats del pintor d'Albi.
- El retrat com a símbol: és un pas endavant del concepte de temperament i caràcter. Es tracta de penetrar en la psicología del personatge retratat.
- La Crisi: són els anys anteriors a la gran guerra. A la societat regna el desànim i el pessimisme i els pintors tendeixen a crear temes relacionats amb la misèria i la soledat. És el gran moment del expressionisme.

En posteriors entrades intentaré donar el meu punt de vista de diverses obres exposades centrant-me en l'àmbit en el qual han estat dividides.
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Ayer fui a ver la exposición de retratos de la Belle Époque en el CaixaForum. Se trata de una retrospectiva de retratos realizados entre los períodos de la guerra Franco-Prusiana (1870) y la primera guerra mundial (1914). Se trata de una fase de la historia fuerza comvulsa con unos cambios sociales, tecnológicos y de valores muy acusados ​​y vertiginosos. Estamos asistiendo a la consolidación de una nueva aristocracia comprendida por la burguesía emergente y ciertos personajes salidos del mundo de la cultura. Esta nueva aristocracia surge con la necesidad de promoverse a nivel personal creando el actual concepto de promoción social mediante la imagen. Ya no es sólo el puro formulismo del retrato por el retrato, hay que sugerir más, es necesario que los demás sepan realmente quién eres.

Reconozco que me gustó mucho la separación de los diversos conceptos por los que se ha estructurado la exposición:

- Autorretratos: género ya cultivado por otros pintores antiguamente, muestra cómo se ven los mismos autores o la imagen que quieren que los demás tengan de ellos.
- Temperamento y carácter: aplicar el anterior concepto con el cliente. Se intenta transmitir al espectador cómo ve el pintor al personaje o como quiere el personaje que lo vean los demás.
- Retratos de grupo: tomando el concepto puesto en marcha por pintores como Velázquez o Goya, muestra cómo los diversos pintores nos hacen ver como son las familias retratadas y, en su caso, ver su cotidianidad.
- Ambientes y conversaciones: se trata de hacer entender al sujeto mediante su entorno, a veces imprescindible para comprender el personaje
- Retratos en plein air: esta época marcada por la individualidad trae como consecuencia la espontaneidad. Esta se transmite, a menudo, mediante la huida del pintor de las paredes del estudio saliendo al campo para captar desde allí la luz y el ambiente de la naturaleza.
- Toulouse-Lautrec: es una pequeña sala con varios retratos del pintor de Albi.
- El retrato como símbolo: es un paso adelante del concepto de temperamento y carácter. Se trata de penetrar en la psicología del personaje retratado.
- La Crisis: son los años anteriores a la gran guerra. En la sociedad reina el desaliento y el pesimismo y los pintores tienden a crear temas relacionados con la miseria y la soledad. Es el gran momento del expresionismo.

En posteriores entradas intentaré dar mi punto de vista de diversas obras expuestas centrándome en el ámbito en el que han sido divididas.

Festival Internacional de Música de Cantonigròs 2011 - El cartell

Aprofitant que la propera setmana comença el Festival Internacional de Música de Cantonigròs volia iniciar una série d'entrades al respecte. 

No em puc estar de parlar del cartell d'aquest any. Hi ha una gran qüestió que no m'acaba de quadrar: amb tots els respectes a l'homenatge que es pugui fer a la com li diguin que va fer el Papa a la Sagrada Família, no trobo la relació del Festival amb la façana del naixement. 

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Aprovechando que la próxima semana comienza el Festival Internacional de Música de Cantonigròs quería iniciar una serie de entradas al respecto.

No puedo dejar de hablar del cartel de este año. Hay una gran cuestión que no me acaba de cuadrar: con todos los respetos al homenaje que se pueda hacer a como le digan que hizo el Papa en la Sagrada Familia, no encuentro la relación del Festival con la fachada del nacimiento.

El primer que em ve al cap al veure el cartell és que m'estan anunciant un concert de música sacra al Palau de la Música. Si has de parar i llegir el que et posa crec, dins la meva humil opinió, que ja no està desenvolupant la tasca principal pel qual està creat. Hauria d'haver-hi una icona, un símbol o un logo que fos comú en tota imatge promocional del festival per a que fos visualment comprensible cada any a primer cop de vista ja que el cervell estaria acostumat a veure-ho. De fet, els primers cartells traçaven tots la particular i inconfusible silueta del Cabrerès.

Durant anys s'encarregava a algun artista o il·lustrador amb cert prestigi dins del seu món la imatge del cartell com podien ser Pilarín Bayès, Roser Capdevila o Coll i Bardolet. Aquest darrer, malgrat que la seva obra d'aquell moment fos tot del mateix, els mateixos motius, gairebé la mateixa il·lustració, té una pregnància que li dona, encara, un sentit.

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Lo primero que me viene a la cabeza al ver el cartel es que me están anunciando un concierto de música sacra en el Palau de la Música. Si tienes que parar y leer lo que te pone creo, en mi humilde opinión, que ya no está desarrollando la tarea principal por el que está creado. Debería haber un icono, un símbolo o un logo que fuera común en toda imagen promocional del festival para que fuera visualmente comprensible cada año a primera vista ya que el cerebro estaría acostumbrado a verlo. De hecho, los primeros carteles trazaban todos la particular e inconfundible silueta del Cabrerès.

Durante años se encargaba a algún artista o ilustrador con cierto prestigio dentro de su mundo la imagen del cartel como podían ser Pilarín Bayès, Roser Capdevila o Coll Bardolet. Este último, a pesar de que su obra de aquel momento fuera todo lo mismo, los mismos motivos, casi la misma ilustración, tiene una pregnancia que le da, aún, un sentido.

Amb el temps, els organitzadors sabran les raons, es va anar abandonant la importància de promoció gràfica insertant fotografies d'arxiu. Igual aquestes fotos poden suggerir la idea de festival folclóric, no ho nego, però al mateix temps, al menys a mi, dona una imatge de despreocupació i de pèrdua de categoria (ja dic, només la impresió, que després ja en parlaré del prestigi del festival fora d'aquí).
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Con el tiempo, los organizadores sabrán las razones, se fue abandonando la importancia de promoción gráfica insertando fotografías de archivo. Igual estas fotos pueden sugerir la idea de festival folclórico, no lo niego, pero al mismo tiempo, al menos a mí, da una imagen de despreocupación y de pérdida de categoría (ya digo, sólo la impresión, que luego ya hablaré del prestigio del festival fuera de aquí).

Bé, tornant al tema del cartell d'enguany, la imatge de l'àngel amb la trompeta em remet a un altre passatge bíblic ben diferent al naixement: l'apocalipsi, la fi del mon. I pot ser, també, la idea del que l'ha dissenyat ja que, malhauradament, té tota la pinta de ser el darrer Festival que es fa. Problemes urbanístics + regateigs pressupostaris entre l'organització i l'ajuntament + la crisi + inversions necessàries (o no) han causat una tempesta perfecta que poden acabar amb 29 anys d'història d'aquest Festival. La Fundació diu que se l'endurà a Vic, però això està per veure. No serà el mateix a una ciutat on el juliol és un autèntic infern que a la muntanya amb la fresca i els seus païsatges únics.

En una ciutat serà impossible comptar amb la col·laboració desinteressada de tots els veïns treballant en tot el que siguin capaços sense demanar més que una samarreta (com a màxim una gorra). Aquest Festival té un prestigi internacional gràcies al treball, per una banda del Josep Maria Busquets, el President de la Fundació i pare de la criatura, i per l'altra tot un poble volcat amb aquesta idea per a que l'organització sigui perfecta. Recordo l'any passat veure uns sicilians, nois amb aspecte i actitid xulesca, els quals semblava que a les estones lliures es dedicaven a assassinar gent per encàrrec, plorant com a nens desconsolats després de saber que habíen guanyat el premi de dansa. Aquesta imatge és la que defineix el prestigi d'aquest Festival al mon. Per quatre ximpleries se'l volen carregar.
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Bueno, volviendo al tema del cartel de este año, la imagen del ángel con la trompeta me remite a otro pasaje bíblico bien diferente al nacimiento: el apocalipsis, el fin del mundo. Y puede ser, también, la idea del que lo ha diseñado ya que, desgraciadamente, tiene toda la pinta de ser el último Festival que se hace. Problemas urbanísticos + regateos presupuestarios entre la organización y el ayuntamiento + la crisis + inversiones necesarias (o no) han causado una tormenta perfecta que pueden acabar con 29 años de historia de este Festival. La Fundación dice que se lo llevará en Vic, pero eso está por ver. No será lo mismo en una ciudad donde en julio es un auténtico infierno que en la montaña con la fresca y sus paisajes únicos.

En una ciudad será imposible contar con la colaboración desinteresada de todos los vecinos trabajando en todo lo que sean capaces sin pedir más que una camiseta (como máximo una gorra). Este Festival tiene un prestigio internacional gracias al trabajo, por un lado de Josep Maria Busquets, el Presidente de la Fundación y padre de la criatura, y por otro todo un pueblo volcado con esta idea para que la organización sea perfecta. Recuerdo el año pasado ver unos sicilianos, chicos con aspecto y actitid chulesca, que parecía que en sus ratos libres se dedicaban a asesinar gente por encargo, llorando como niños desconsolados tras conocer que habían ganado el premio de danza. Esta imagen es la que define el prestigio de este Festival en el mundo. Por cuatro tonterías se lo quieren cargar.